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L’interprétation, en tant que processus cognitif, vise à transférer le vouloir-dire de l’orateur en reformulant le discours dans la langue cible. Ce processus, qu’il soit en consécutive ou en simultanée, exige une gestion efficace des ressources cognitives pour accomplir plusieurs tâches simultanément. Une charge cognitive excessive peut compromettre la performance de l’interprète, d’où la nécessité de développer des compétences cognitives adaptées. Cette étude explore l’impact de la mise en œuvre de doubles tâches sur le développement des capacités cognitives des étudiants en interprétation. Un groupe expérimental a suivi des cours spécifiques intégrant des doubles tâches, tandis qu’un groupe de contrôle n’a reçu aucune formation supplémentaire. Les résultats de cette recherche indiquent une amélioration significative de l’empan mnésique chez le groupe expérimental, mais l’effet sur la performance en interprétation reste incertain. Ces résultats soulignent l’importance de poursuivre les recherches pour mieux comprendre le lien entre les compétences cognitives et la performance en interprétation.

The present article intends to apply Deleuzist tenets on Shakespeare’s Antony and Cleopatra . Deleuze posits that an artwork is a desiring machine endowed with the basic components of becoming woman, becoming animal, nomadism, war machine as well as BwO (body without organs). Drawing upon them, this research aims to dissolve Rome-Egypt duality and its corresponding genderized subjectivity and racial bias. The major questions raised in the research include: First, how do the early modern biracial lovers, from contrasting geographical spaces, merge in parallelism, and to what effect? Second, to what extent is the course of desubjectification carried out? Third, what vantagepoint (in culturalists’ parlance) is envisioned for the future polity? To answer these questions, the present study probes into Deleuzist theories to demonstrate the characters’ decisiveness to transgress hegemonic codes and legitimate ideological power relations. These formulations align with Ovidian tradition of metamorphosis. Bodies in flux, reenact Shakespeare’s lovers in perpetual passage both within and without until Rome and Egypt – summing up the white/nonwhite polarity – consolidate. The disruptive theories appropriated by the lovers drive them to the communion of the disadvantaged. The final egalitarian gesture would envision a future polity of inclusion, diversity and equity.

This article presents new outlooks toward gender transfiguration in David Hare’s Skylight and Pravda in the light of Judith Butler’s theory of Gender Performativity. It examines whether the linguistic performance of Hare's characters is an innate feature or a hallucinatory effect of their naturalized and gendered bodies. Butler asserts that performativity is a ritualized production and a constrained reiteration of cultural intelligibility under the prohibition pressed by power regimes. Surveying Skylight and Pravda elucidates that gender identity is an imitation, which leads Hare’s characters to resignify and recontextualize the parodic gender reproductions. Moreover, the gendered subjects were subordinated to the language that interpellated them, so that each individual became a linguistically stylized occasion. Therefore, the ever-shifting identities of Hare’s characters were established by the power of the injurious language that interpellated the subjects. Springing from the discussion about gender performativity of Hare’s characters, the article concluded that identity is a phantasmatic construction, and what an individual performs is a non-intrinsic parody of the culturally constructed regulations. As a result, the culturally acquired gender is crafted based on the socially recognizable standards, which shape the directionality of the self-representation.

La quête identitaire se retrouve au cœur des œuvres du vingtième siècle. Des romanciers, comme des critiques examinent la question et un auteur comme Barthes n’échappe pas à la règle. Ses écrits ultimes au Collège de France demeurent cependant imaginaires et théoriques. Il s’identifie aux protagonistes d’une nouvelle Recherche dont il s’estime être le créateur. Nous verrons ainsi dans cet article les manuscrits barthésiens au sujet de la phrase dans ses textes déposés à la bibliothèque nationale de France qui décrivent certaines de ses convictions intimes. Nous observerons à travers ceux-ci une réinvention du texte dans ses derniers cours. Ceux-ci forment une autre matrice romanesque et Barthes retourne à ses premières sources littéraires et se passionne même pour la personne de l'auteur. Ce dernier désire désormais s’éterniser par le roman et renaître, tout comme le phénix de ses cendres. Afin de voir les sources de cette renaissance artistique, nous étudierons certaines parties raturées de ses manuscrits déposés à la bibliothèque nationale de France. Elles expriment ses points de vue intimes sur les étapes de l’invention de la phrase. Nous tenterons ainsi de découvrir la vérité littéraire se cachant chez cet inventeur de l'art de ne rien écrire qui, tout comme Proust, redéfinit la recherche littéraire dans une perspective temporelle.

Since its creation, Shakespeare’s Hamlet has served as a mirror to the anxieties of its time. Though various analyses of the contemporary film adaptations have routinely addressed themes of surveillance, the precise psychological effects of this surveillance on the protagonist are still under-examined. This paper addresses this lacuna by examining how Michael Almereyda’s (2000) and Gregory Doran’s (2009) film adaptations of Hamlet present the protagonist’s tragic flaw as not indecision, but rather a pathological narcissism engendered by a postmodern culture of surveillance. The paper contends that these films utilize the omnipresent camera—both diegetic and non-diegetic—to create a Hamlet whose self is fragmented by the inexorable gaze. This perpetual watching, coupled with a cultural movement toward hyper-subjectivity, engenders a pathological narcissism that becomes integral to his personality. The results and findings in this article demonstrate that these adaptations employ strategies such as mise-en-abyme not merely to condemn surveillance, but to diagnose a specifically postmodern malaise wherein the self is caught in a feedback loop of self-recording and performance, ultimately leading to a questioning of the nature of identity in an era of digital mediation.

Cet article examine la représentation théâtrale du mariage sous l’influence des idées féministes. Notre étude, basée sur la revue d’une diversité de saynètes et de pièces de théâtre, et se référant aux témoignages de sociologues et juristes, montre que l’institution du mariage est interprétée durant la première moitié du XXᵉ siècle, non comme un pacte d’amour, mais comme un mécanisme d’aliénation, symbolisant soit l’esclavage de la femme, soit sa transformation en objet de marchandise. En effet, le théâtre féministe français s’inscrivant dans un contexte d’émancipation féminine liée aux courants socialistes et anarchistes, présente une critique exagérée du mariage, voire une remise en question totale de cette institution comme instrument de domination et de régulation sociale des femmes. Cette étude permet également de souligner le rôle du texte littéraire en tant qu’espace de contestation des normes sociales, et de réfléchir sur la possibilité de prendre en considération la fiction comme document anthropologique ou sociologique.

The impact of colonization on identity construction has emerged as a critical area of inquiry, particularly among postcolonial writers, novelists, and theorists. This paper investigates the psychological and cultural ramifications of colonial domination on the identity formation of colonized individuals, with particular emphasis on experiences of alienation and identity loss. Kiran Desai’s novel The Inheritance of Loss (2006) is analyzed through the theoretical frameworks of Stuart Hall’s concept of cultural identity and Frantz Fanon’s exploration of colonial trauma and its effects on subjectivity. This study contends that colonization fundamentally disrupts the continuity of cultural identity and induces a condition of psychological fragmentation, resulting in enduring displacement, alienation, and a decentered sense of self among the colonized. The findings demonstrate that in The Inheritance of Loss, colonial trauma manifests through internalized cultural inferiority, linguistic alienation, and intergenerational identity rupture, particularly visible in the judge’s self-erasure and Biju’s diasporic disillusionment. These experiences reveal a uniquely postcolonial condition of fractured identity, marked by alienation, double displacement, and a decentered sense of self rooted in the enduring psychological legacies of colonial domination.

L'autobiographie est un récit de mémoire qui transcende les simples images des lieux et événements passés. Elle inclut également les odeurs, sensations et émotions liées aux personnes qui ont marqué notre existence, comme nos parents et nos frères et sœurs. Ces expériences sensorielles et affectives influencent notre perception de nous-mêmes et notre vision du monde. Il est crucial de reconnaître que nos parents, qu'ils soient biologiques ou adoptifs, jouent un rôle fondamental dans notre éducation et notre développement. Ils nous guident, veillent sur notre bien-être et façonnent notre identité ainsi que notre manière d'interagir avec notre environnement. Leur soutien, qu'il soit physique ou émotionnel, nous permet d'explorer notre passé tout en confrontant des vérités parfois inconfortables, enrichissant ainsi notre compréhension de qui nous sommes. Monica Sabolo illustre cette quête identitaire en recherchant les empreintes d'un père mystérieux tout en retraçant sa vie dans La vie clandestine. Dans quelle mesure la découverte des aspects sombres de notre réalité alimente-t-elle cette quête ? Faut-il affronter cette vérité par l'introspection, ou se conformer aux rôles établis ? À travers son récit, Sabolo explore sa vie et décrit la relation complexe qu'elle entretient avec son père. Pour répondre à cette problématique, nous examinerons d'abord le pacte autobiographique, puis les traces de sa vie, et enfin l'image paternelle et leur relation.

The present paper intends to study Kazuo Ishiguro’s Never Let Me Go from the perspective of Cyborgian concepts of hybridized subjectivity, speed, metamorphic becoming, bio-narrative and bio-discourse, which intersect with cyborg biotechnology to create the bio-capital characters. Ishiguro portrays the non-unitary bio-subjectivities along with challenges of clones through tracing the main character’s memories. The Cyborgian theories of Donna Haraway, Paul Virilio and Rosi Braidotti are mainly used to analyze the genetic organs of the selected novel in bio-discourse. Cyborg biotechnology drains its bio-power, merges borderlines between the conventional polarities, de-politicizes it by destroying inequality in a natural history of transhumanism and, ultimately, makes hybridized privileged – unprivileged subjectivity. Cyborg bio-capital body is a kind of genetically modified object with a shifted boundary; a bio-semiotic body, not the human physiological body. In the novel, this study explores that cyborgian bio-capital subjectivity is the imitation of the original one due to three reasons: first, it has lost its human uniqueness; second, its self-automation is changed into a possible being; and, finally, its biological facet has constructed the equal bio-subjects. A cyborgian bio-capital subject is partly organ and partly machine in the cyborg biotechnology. The thematic features of Ishiguro’s novel as the quintessence of cyborg bio-narrative, including nomadic bio-subjectivity, development of fabricated trans-subjects, bio-animals, trans-genetic organisms, decentered subject, bio-molecule and mechanical body, are the focal points of analysis in this study.